Joel Peter Witkin
“Si la fotografía es el arte de fijar una sombra, el vidrio es el medio que transfiere esa sombra a la película. Para Joel-Peter Witkin, cuyos cuadros elaborados contienen una reverberación extrema entre la vida y la muerte, el vidrio encierra poderosas asociaciones. "Oldenburg," dice Witkin, " describió una vez al vidrio como un 'relámpago atrapado en la arena'. " Un día antes de que se presentara la retrospectiva de Witkin en el Museo Guggenheim de Nueva York, habló con Michael Sand acerca de la fotografía, la moralidad, y los restos de seres humanos.”
Nacido en Brooklyn, NY un 13 de septiembre de 1939.
Sus imágenes son muy poderosas; encuentra la belleza dentro de lo grotesco. Toma a personas por lo general excluidos por la sociedad; hermafroditas, enanos, amputados, personas con raras habilidades físicas, fetichistas, y prácticamente cualquier “mito viviente”
Su fascinación por el físico de las personas provoca confrontación en el sentido de normalidad y decencia proporcionado por la sociedad.
Suele visitar escuelas médicas, morgues, asilos y hacer castings para reclutar a sus colaboradores. El resultado: fotografías grotescas y bellas a la vez, por lo general desafiando el concepto de belleza.
Witkin comienza cada imagen haciendo un dibujo de sus ideas en papel, con el fin de perfeccionar cada detalle antes de arreglar la escena en el estudio; después de tomar la fotografía suele pasar horas en el cuarto obscuro rayando y perforando sus negativos transformándolos en imágenes que parecen hechas, no tanto tomadas. Después suele reinterpretar su idea original a través de la pintura.
Al ver el trabajo de Witkin se nos da la oportunidad de cambiar la noción preconcebida de la sexualidad y la belleza física, creando conciencia de las diferencias entre todos los seres humanos.
“Pienso que la mayoría de las personas no están conscientes que la mortalidad tiene que ver con la vida y la muerte. Desde luego que no todo tiene que ver con el trabajo duro de la existencia, si no de lo que ocurre en la vida. Cada momento es una decisión moral. Hay un código de moralidad en cada uno de nuestros corazones, y es una cuestión de encontrar nuestros destinos y el propósito de esos destinos. Esta vida es un sitio para ensayar, debiera de ser un ensayo sublime.”
Michiko Kon
Nace en Japón, estudió arte y luego se inclina a la fotografía.
Vivía cerca de un mercado de pescados.
Realiza la mayoría de sus fotos con pescados; en sus trabajos se encuentran pieles de pescados, salmones, cabbage – stuffed stockings, por lo general en forma de ropa.
Sus fotografías son construidas, con negros obscuros y blancos muy brillantes; obras demasiado fuera de lo común. Utiliza un fondo negro y base negra transparente que genera el reflejo máximo.
Ha ganado diversos premios entre los que se encuentran: Art Scholar Prize, Kanagawa Prefectural Art Exhibition (1984), Newcomer Award, Higashikawa International Photography Festival (1987), The IheiKi mura Photography Award, The Asahi Shimbun (1991).
Michiko Kon realiza la obra, toma la foto y después destruya la obra.
Utiliza cámaras de formato grande.
Duane Michals
“Quien ve mis fotos, ve mis pensamientos”
Nace en Pensilvania en 1932; es el artista más importante de E.E.U.U.
Considera que su fama y singular mirada es gracias a su falta de educación formal como fotógrafo. Por lo general sus imágenes son una reflexión sobre la condición humana, el sentido del humor, la violencia; el sexo.
En 1966 comienza a desarrollar un estilo propio, a través de la técnica de la secuenciación, una sucesión de fotografías que cuentan una historia incluso, un desarrollo temporal.
Propone un escenario que se sitúa en la frontera entre la realidad y la ficción, casi a la mano del surrealismo. “Me gusta la ironía” Afirma Michals.
A lo largo de las últimas cinco décadas, el trabajo de Michals ha sido exhibido en diferentes lugares, entre los cuales encontramos: The Museum of Modern Art, Nueva York, dónde expuso su primer solo (1970), un año después en el George Eastman House, Rochester, NY (1971). Recientemente en Odakyu Museum, en Tokyo (1999), al igual que en el International Center of Photography, NY (2005). En el 2008 Michals celebró su 50 aniversario como fotógrafo en una exhibición en el Thessaloniki Museum of Photography, Greece and the Scavi Scaligeri en Verona, Italia. Su trabajo también ha incluído numerosos shows en grupo incluyendo “Cosmos” en el Musée de Beaux-Arts de Montréal (1999), “The Century of the Body: Photoworks (1900-2000) en el Musee de l’Elysee, Lausanne (1999), “From Camouglage to Free Style, entre muchos otros.
"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención".
Hiroshi Sugimoto
Nació en Tokyo, Japón en 1948.
La idea de Sugimoto es que la fotografía es una línea del tiempo, un método para preservar y representar con imágenes la memoria y el tiempo.
Sugimoto ve con el ojo del escultor, el pintor, arquitecto y filósofo. Utiliza su cámara para crear imágenes que parecen convertir la esencia de sus sujetos, no importando si es escultural, arquitectural, o simplemente el mundo natural.
En 1996 Sugimoto exhibió trabajos en importantes grupos como el 10th Biennale en Sydney y la exhibición “Prospect 96” en el Schirn Kunsthalle en Frankfurt, Main. La exhibición “Beauty Now” en la Haus der Kundt en Munich al comienzo del 2000 incluyendo un gran número de su último Seascape fotos.
También ha habido un gran número de exhibiciones individuales de este gran fotógrafo, entre las que se encuentran las del Museum of Contemporary Art, LA (1994), The kunsthalle Basle (1995), The Metropolitan Museum of Art, NY (1995-1996), The Fundació “la Caixa”, Madrir (1998) y The Deuthsche Guggenheim, Berlin (2000).
Richard Avedon
Nació en New York en 1923.
En 1942 se enlistó en el Merchant Marine’s en la sección de fotografía. En 1945 fue contratado como fotógrafo de moda por Alexey Brodovitch, el director de arte de Harper’s Bazaar. En 1946 estableció su propio estudio y después contribuyó con Vogue, Theatre Arts, Life, Look y Graphis.
Innovó la fotografía de Moda, pues por lo general los modelos se encontraban en poses estáticas, sin embargo él, sinspirado en Martin Munkasci, fotógrafo Húngaro, produjo fotografías con movimiento. Utilizando una variedad de sets y sugiriendo una trama por medio de los gestos de los modelos. Avedon introdujo una complejidad emocional a la fotografía de moda.
El fondo blanco se convirtió en su marca. La parte lucrativa de su trabajo fue en anuncios en los cuáles raramente utilizaba su nombre.
Su estilo se caracterizó por el juego entre contrastes, tanto visuales como conceptuales, que lograban dar un efecto austero de sofisticación. En sus retratos de celebridades él solía crear un sentido de drama utilizando un rígido fondo blanco y una pose confrontadora. Se observa una increíble escala tonal. Es un fotógrafo purista.
Sometía a sus modelos a largas sesiones con el fin de cansarlos, buscando que ante el cansancio ellos expresaran sus sentimientos sinceros y naturales.
Entre sus trabajos más destacados están numerosos retratos a personalidades del mundo artístico. En 1959 publicó la primera antología de su obra “Observations”, seguida por “Nothing personal” y “Portraits”.
Helmut Newton
Su estilo es inconfundible. Contrastes de blanco y negro, temáticas como sumisión, sadomasoquismo, prostitución, crimen; mujeres vestidas con elegancia, y esas mismas mujeres desvestidas: ligueros, medias y tacones. Ambientes lujosos, violencia y hasta sentido del humor.
"Las fotografías con desnudos y temas de sumisión han sido una forma para mí de transgredir mis propias ataduras”
"las mujeres tienen esa magnífica expresión cuando se observan a sí mismas. Se pierden en su propia imagen. Es fascinante verlo y fotografiarlo. Realmente me inspira mucho, física y mentalmente". Su objetivo, explicó, es "seducir, divertir y entretener".
El despliegue de su carrera profesional toma lugar en 1961 cuando comienza a trabajar para el Vogue francés, siguiendo Vogue americano, Playboy, Queen, Marie Claire, Elle, etc. Compartiendo páginas con Herb Ritts, Irving Penn y Richard Avedon.
Alberto Korda
Fotógrafo Cubano, célebre por la famosa fotografía tomada a Ernesto “Che” Guevara, en Marzo de 1960.
Junto a Luis Pierce (Luis Korda) fundó los Estudios Korda en donde trabajó entre 1953 y 1968, en los que realizaban toda especie de trabajos comerciales.
Entre sus fotos memorables se encuentra la de los rebeldes victoriosos en la Habana, en la fotografía titulada Havana and Quixote of the Lamp Post, en la que se muestra a un cubano sentado en un poste de luz entre un mundo de gente, escuchando un discurso de Castro. Con ésta fotografía ganó muchos premios incluyendo El mejor fotógrafo del año por Revolución de 1960 a 1963.
Aprendió fotografía con Newton Estapé y después con Luis Pierce. Trabajó para la Revolución y acompañó a Fidel Castro como fotógrafo en diversos recorridos. En 1960 tomó la fotografía que cambiaría su vida, “El guerrillero heroico”. La imagen más reproducida de la historia de la fotografía en todo el mundo.
Su obra fotográfica se ha expuesto en las principales galerías del continente europeo y americano.
Distinción por la Cultura Cubana (1982, Cuba).
Tercer premio en el 5to. Premio Internacional de Fotografía Submarina "Mauricio Sana" (1979, Italia).
La Orden Félix Varela de Primer grado (1994, Cuba).
El Premio OLORUM CUBANO, correspondiente a 1998, del Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica.
Primer premio Foto Histórica de la revista Revolución y Cultura; X Salón Nacional de Fotografía 26 de julio (1980, Cuba).
1959, Premio Palma de Plata. Mejor Fotorreportero del Año.
Periódico Revolución, La Habana.1960_1963.
1979 Tercer Premio. 5to Premio Internacional de Fotografía Submarina “Maurizio Sana”, Italia.
1982, Distinción por la Cultura Nacional. Consejo de Estado, República de Cuba.
1994, Orden Félix Varela de Primer Grado, Consejo de Estado, República de Cuba.
Korda da un consejo a los jóvenes fotógrafos: “Olviden la cámara, olviden el lente, olviden todo eso. Con cualquier cámara de cuatro dolares tu puedes captar la mejor imagen.” El creía en la pasión detrás del fotógrafo, no en la cámara que poseía.
